Art & Living

　　原定於三月在Para Site藝術空間開幕的大型聯展「一園六季」Garden of Six Seasons，因疫情關係而推遲；不過，推遲好過取消。展覽以園林為切入點，由淺入深探討不同文化與主題，包括人與環境之間的關係、殖民地故事、原住民文化等，通過繪畫、攝影、雕塑、錄影及裝置等物料及符號語言，延伸探討園林背後的文化；作為加德滿都三年展的前奏，展覽匯集了各地藝術家、逾40個藝術單位參展，分別於Para Site及Soho House展出。

「一園六季」的靈感源於一座「夢園」

　　「一園六季」Garden of Six Seasons 靈感源於100年前尼泊爾國王所建造的一座花園，她位於加德滿都，是一座愛德華式英國新古典主義風格的園林，名為「六季花園」；而「六季」顧名思義便是六個季節的意思，或許現時聽到會覺得新奇，但在當時的加德滿都，一年確實有六季之多；不過隨著氣候變化，六季亦逐漸合拼為四季。

位於Soho House 的展品

位於Soho House 的展品

　　展覽涵蓋的主題甚多，單從園林為切入點，何以延伸探討這麼多議題？走進「園林」，我們通常都被以高度設定好的花草與佈局所吸引，卻忘了這個完美呈現背後隱藏的符號語言。以尼泊爾加德滿都谷地這個在亞熱帶地區所出現的一座歐陸式花園為例，已經是很好的說明；「園林」本身就是一個特別的存在，在殖民文化裡，植物學是一個很重要的元素，而植物獵人更是殖民時期的一個重要符號，他們旨在前往世界各地，採集珍稀的植物與藥材，促進經濟以及供皇室貴族玩樂，所以花園裡的植物、佈局都充斥著殖民歷史的故事與文化。雖然尼泊爾在歷史上沒有成為任何國家的殖民地，但難免經歷過入侵，同時作為西藏與印度（當時英國的殖民地）之間的商貿與文化交流樞紐，免不了會受外來文化影響。

位於Soho House 的展品

不僅園林經過高度設計，展覽中亦出現不少以地圖形式所呈現的藝術品，退後一步去看，它同樣是經過精準設計而成的； 因此，以園林為切入點的展覽除了花草植物外，不少作品透過景觀、當地獨有的材質等不同載體以及以歷史、醫學、文化角度去探討與反映殖民地與原住民文化，亦有政治話題、身份認同議題等，甚至人與景觀、宇宙之間的聯繫。

位於Para Site的展品

位於Soho House 的展品

從Para Site的對稱「中庭」走到Soho House的遼闊空間

Para Site藝術空間

Soho House 展場

　　今次展覽，Para Site將空間設計為對稱的庭院，通過拱門走廊可達至中庭，置身其中，有種走在園林遮遮掩掩的感覺。門口處，掛著現代水墨之父劉國松《太空畫系列》的其中一件作品——《環中B》，作品靈感源於1969年美國太空船阿波羅17號所拍攝的地球相片，他以水墨、塑膠彩以及拼貼紙本的實驗性技法，將山水融入宇宙之中，探討宇宙觀話題。

位於Para Site的展品

　　沿著外走廊，還有不少以手工編織的作品。編織於不少地方文化而言，存在著儀式、禮儀、文化及語言的意義，同時也象徵著地球與宇宙天體的關係；加上編織時運用的顏色與圖案，更是再進一步的符號語言，訴說著獨有的文化歷史。

位於Para Site的展品

位於Para Site的展品

位於Para Site的展品

　　展覽還有以身體及醫學角度去詮釋人與景觀、社會甚至與宇宙之間有聯繫的作品，於Para Site和Soho House展出，包括本地藝術家林東鵬、蘇詠寶，以及外國一系列藝術家，如芝加哥藝術家Brittney Leeanne Williams和尼日利亞攝影師J.D.’Okhai Ojeikere等人的作品。

　　林東鵬所展的作品均來自其個展《山洞記》，會於Soho House展場展出。在他作品的畫面中，有人有景；有些作品，景於人中；有些作品，人又於景中。於他而言，人與景觀有種微妙的關係，他認為人既是景觀的一部分，又是景觀的創造者，同時亦是景觀的凝視者。

　　Brittney Leeanne Williams的數幅畫作色彩鮮豔，亦同樣吸引眼球, 於Para Site的展場展出。她所繪畫的景觀中，充斥著人類身軀的線條，而這些模仿起伏風景的扭曲身軀所指的是黑人的身軀，鮮豔卻又帶點不安的色彩似乎在控訴這個系統對黑人的壓迫。

　　Okhai Ojeikere的攝影作品同樣可在Para Site欣賞到。作品以頭髮為切入點，通過編織所呈現的不同形態呈現頭髮所承載的文化與歷史意義；據記錄，曾有美洲奴隸將逃亡地圖秘密地記錄在髮型中，而地圖則因髮型被留存下來，成為了歷史上獨特的語言。

　　同場還有非常多的作品，估計一下子也難以消化；若有時間，還是花一至兩個下午，好好逛一逛兩個展場，細細品味以園林所帶出來的各種歷史故事與文化。

位於Para Site的展品

位於Soho House的展品

位於Soho House的展品

《一園六季》

日期：即日起至8月30日

時間：星期三至日12nn至7pm | 星期一、二及公眾假期休息

地點：PARA SITE 鰂魚涌英皇道677號榮華工業大廈地舖及22樓

　　　SOHO HOUSE上環德輔道西33號

查詢：www.para-site.art

Credits

Photograph／Alex Yeung

Video／Alex Yeung

Graphic design／Alex Yeung

Video Editing／Alex Yeung

　　四月的威尼斯甚是熱鬧，這邊廂是第六十屆威尼斯雙年展，那邊廂則是朱德群的回顧展「星雲」，而在距離威尼斯數小時火車的羅馬鬧市中，季豐軒畫廊則為中國當代藝術家白明於羅馬國立現代及當代美術館的個展「百維交匯」拉開了帷幕。

白明，《器·形式與過程》，2004年，瓷、多種高溫礦物顏料、瓦斯燒，每件19-26cm（高），7-10cm（寬）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

　　時次展覽以藝術家三十年的藝術生涯為主軸，展出80件跨媒介作品，媒介涵蓋陶瓷、裝置、水墨和漆畫，作品所採用的媒介與材料無疑是植根東方文化的底蘊，但經煉化後，傳統與現代匯合，帶來新的解讀。如陶瓷作品《岩畫風景》（2016年）採用了元代發展成熟的釉裏紅與氧化鐵作為釉彩燒製而成，但箭筒器型的瓷器上抽象樣式，卻帶著古代岩石的圖騰；《墟·卷軸牆》（2022年）將瓷泥融入紙漿中，構成捲軸的形態以不同溫度燒製，以非傳統的手法傳遞來自傳統的觀念；《器·形式與過程》（2004年）則以器型、體量、形式與空間作為切入點，探討瓷土不同的表情，以及與空間之間的互動。除了瓷器作品，其水墨作品《山海新經》（2020-2022年）與漆畫作品《凝固的空間》（2018年）也是循著這思路發展而來。

白明，《墟·卷軸牆》，2022年，瓷、紙漿泥、多種燒法，每件8-18cm（長），6-11cm（寬）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

白明，《山海新經—半島》，2022年，宣紙、國畫顏料、墨、茶，129 x 255cm（連框）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

　　幼細而又充滿律動的線以青花繪製，形成一片水，在透潤的白瓷上搖漾著。看白明的作品，看得不只是瓷器工藝的傳承，還有傳統於當代語境下的存在意義。在當代藝術的世界中，並非只有科技與創新，也有傳統文化、工藝、藝術如何走向當代的命題。但其實這個命題並非一時之間冒出的，在每個朝代更新，藝術或工藝都有著微妙的變化，以回應當下社會狀態。但在探討如何走向當下之時，或許是先要擁抱改變。AI或3D打印的出現，無疑完全改變了整個陶瓷的製作方法，但白明卻表示，他找到了當中的包容性，「現當代陶藝並不是要顛覆傳統，而是在傳統裡的經典和審美中去蕪存菁，繼而再增加一些新的東西。」攝影的出現，讓法國畫家Paul Delaroche說出了繪畫已死的感概，但日復一日、年復一年，攝影不但沒有殺死繪畫，還讓繪畫從現實主義中解放出來，激發了不同流派的誕生，也從當初的絕望成了推波助瀾的希望。面對日新月異的科技，白明相信未來一定有比3D打印、AI更顛覆思維方式的東西出現，「但所有新的東西未必會以替代某一種藝術為代價。」

白明，《線釋水系列之二》，2022年，瓷、青花，54 x 58.5cm
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

白明，《岩畫風景》，2016年，瓷、釉裏紅、氧化鐵，118 x 33cm
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

關於白明

　　白明生於1965年，是屢獲殊榮的跨領域藝術家，其創作媒介涵蓋陶瓷、水墨和漆畫。作品為大英博物館、法國賽努奇博物館、薩拉貢博物館和中國美術館等重要博物館所收藏。現任清華大學美術學院陶瓷藝術系主任、教授和博士生導師，以及清華大學美術學院美術館執行副館長，引領中國當代藝術發展。

展期：2024年4月24日至6月30日
地點：羅馬國立現代及當代美術館
地址：Viale delle Belle Arti，131 羅馬，意大利