Art & Living

 　　都說藝術家有些瘋狂，但她，是一個不要命的藝術家。

　　20世紀60年代，她以藝術的名義，展開了一場驚人的「表演」。在畫廊的空間裡，有一張桌子，桌上放著76個物件，有可以令人快樂的物品，也有令人受傷的東西，包括一杯水、一件外套、一隻鞋、一朵玫瑰，但同時也擺放著刀片、剪刀、鐵鎚、甚至裝有子彈的槍等，桌子上有張說明，寫著：「我是物品。你可以在我身上使用桌上的任何物品，我承擔所有責任。時間是 6 小時。」就這樣，她靜靜地等待著未知的事。

　　這場表演就是《Rhythm 0》，是「行為藝術之母」Marina Abramović行為藝術表演中《Rhythm》系列的重頭戲，那年她23歲。表演剛開始，大家都比較內斂，像是試下反應；有人遞給她水，有人送上玫瑰，也有人拿著口紅在她身上亂畫，當大家看見Marina真的任人擺佈時，便開始變得更大膽和放肆。有人開始拿起具殺傷力的物件，用刀剪破她的衣服，用玫瑰梗的荊棘刺進了她的腹部，有人更拿起刀片，在她頸部劃上一劃並飲用了她的血，也有人裝上子彈的槍指著她的腦袋……

　　這6小時，在各種各樣的行為下緩慢地過了。半裸的她，帶著身上傷口和臉上的流不停眼淚開始走向人群，但觀眾卻驚恐的散開了。究竟是他們沒辦法面對Marina，還是沒辦法面對自己？這個表演充滿實驗性，甚至說得上是死亡實驗。Marina最後是含著淚說道，「What I learned was that… if you leave it up to the audience, they can kill you.」

Marina Abramovic on Rhythm 0 (1974)

　　其實早在《Rhythm 0》之前，Marina就展開過其它激進的表演。分別是1973-1974年間的作為序幕的《Rhythm10》、第一次在表演中失去意識的《Rhythm5》和兩次不斷挑戰身體和意識的《Rhythm2》和《Rhythm4》。當中有開放給觀眾的，也有獨自一人完成的。不同的是，之前的表演，觀眾就只是觀眾的角色，並沒有參與其中，而《Rhythm 0》則是一次真真正正由觀眾主導的行為表演。Marina以身軀作為素材，利用自己的身體進行挑戰，在一次又一次的表演中做出一連串的危險、極端的行為去探討人類身體的極限，但於她而言，這卻是種解放，她所體驗到的自由遠超於皮肉的痛苦。

　　「人總是害怕非常簡單的事，我們害怕痛苦、我們害怕受苦、我們也害怕死亡。所以我做的事是，在觀眾面前展現這一類的害怕，利用大家的能量，盡可能的把自己的身體推到一個極限，然後在恐懼中解放自己。」— Marina Abramović

#Rhythm10

　　《Rhythm10》是關於一個測試「身體反應」的行為藝術，同時也是場危險遊戲。Marina準備了20把不同尺寸的刀，她右手拿刀並坐在地上，同時左手亦呈張開狀態緊貼著地；然後按到刀的順序，逐一拿起刀迅速的往指縫間插，只要傷到手指，就可換一把刀，直至換到第20把刀為止。換句話說，這個行為表演她便要受到20次刀傷。

#Rhythm5

　　《Rhythm5》是一次昇華表演，她在室外準備了一個大型的木製五角星，浸滿煤油並點燃了。隨後她把自己的頭髮和指甲剪下，投入火裡，像是某種儀式。表演的高潮便是她在腹部劃上了五角星的圖案，走進並躺在了火堆中間。但這次實驗，Marina認為是未完成的，因為她在表演中一度缺氧，失去了意識。

#Rhythm2

　　《Rhythm2》也是Marina對自己身體極限的挑戰。這次她坐在一個房間裡，先後吞下了一顆僵直性患者用的藥丸和精神病患者用的鎮定劑。前後分別感受吞下藥丸後的身體變化，從不由自主地抽搐到停下，最後全身失去知覺將近5小時。

#Rhythm4

　　在《Rhythm4》裡，她獨自全裸的坐在房間，將臉貼近一台工業用地強力風扇前方，風扇中有個攝像機，會全程將她的狀態和樣子錄下並轉接到另一個觀眾室內。表演最後，Marina則因吸入過多氧氣而暈缺了。

　　《Rhythm 0》是在這些危險實驗後的片尾曲，也是最讓人瞪目結舌，甚至有些慘不忍睹。Marina從「有意識的讓自己失去意識」中跳出，將生命交到了觀眾的手裡。這個做法你會否質疑她太過大膽，甚至極端？在這場表演中，觀眾看似沒有任何責任包袱，但瞬間的念頭卻將埋藏在人性底層的陰暗面赤裸裸的暴露其中。或許你並不認同藝術家用自殘、在公眾地方裸露、甚至用極端的方式去詮釋或帶出信息，但在藝術的世界裡，想像就是最大的發揮空間。而行為藝術的張力亦可以遠超於其他藝術形式，這種只許呈現一次的現場表演無法被重現。如果你仍在思考若Marina不展開這個表演，觀眾便不會有如此行為時，別忘了，Marina只是開了一個頭，她並沒有指明每一個步驟，這是一場完全交給觀眾決定的表演，用她的一句話說，便是「I’m a mirror for the public.」

Marina Abramović Ted Talk About Performing Art

　　四月的威尼斯甚是熱鬧，這邊廂是第六十屆威尼斯雙年展，那邊廂則是朱德群的回顧展「星雲」，而在距離威尼斯數小時火車的羅馬鬧市中，季豐軒畫廊則為中國當代藝術家白明於羅馬國立現代及當代美術館的個展「百維交匯」拉開了帷幕。

白明，《器·形式與過程》，2004年，瓷、多種高溫礦物顏料、瓦斯燒，每件19-26cm（高），7-10cm（寬）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

　　時次展覽以藝術家三十年的藝術生涯為主軸，展出80件跨媒介作品，媒介涵蓋陶瓷、裝置、水墨和漆畫，作品所採用的媒介與材料無疑是植根東方文化的底蘊，但經煉化後，傳統與現代匯合，帶來新的解讀。如陶瓷作品《岩畫風景》（2016年）採用了元代發展成熟的釉裏紅與氧化鐵作為釉彩燒製而成，但箭筒器型的瓷器上抽象樣式，卻帶著古代岩石的圖騰；《墟·卷軸牆》（2022年）將瓷泥融入紙漿中，構成捲軸的形態以不同溫度燒製，以非傳統的手法傳遞來自傳統的觀念；《器·形式與過程》（2004年）則以器型、體量、形式與空間作為切入點，探討瓷土不同的表情，以及與空間之間的互動。除了瓷器作品，其水墨作品《山海新經》（2020-2022年）與漆畫作品《凝固的空間》（2018年）也是循著這思路發展而來。

白明，《墟·卷軸牆》，2022年，瓷、紙漿泥、多種燒法，每件8-18cm（長），6-11cm（寬）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

白明，《山海新經—半島》，2022年，宣紙、國畫顏料、墨、茶，129 x 255cm（連框）
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

　　幼細而又充滿律動的線以青花繪製，形成一片水，在透潤的白瓷上搖漾著。看白明的作品，看得不只是瓷器工藝的傳承，還有傳統於當代語境下的存在意義。在當代藝術的世界中，並非只有科技與創新，也有傳統文化、工藝、藝術如何走向當代的命題。但其實這個命題並非一時之間冒出的，在每個朝代更新，藝術或工藝都有著微妙的變化，以回應當下社會狀態。但在探討如何走向當下之時，或許是先要擁抱改變。AI或3D打印的出現，無疑完全改變了整個陶瓷的製作方法，但白明卻表示，他找到了當中的包容性，「現當代陶藝並不是要顛覆傳統，而是在傳統裡的經典和審美中去蕪存菁，繼而再增加一些新的東西。」攝影的出現，讓法國畫家Paul Delaroche說出了繪畫已死的感概，但日復一日、年復一年，攝影不但沒有殺死繪畫，還讓繪畫從現實主義中解放出來，激發了不同流派的誕生，也從當初的絕望成了推波助瀾的希望。面對日新月異的科技，白明相信未來一定有比3D打印、AI更顛覆思維方式的東西出現，「但所有新的東西未必會以替代某一種藝術為代價。」

白明，《線釋水系列之二》，2022年，瓷、青花，54 x 58.5cm
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

白明，《岩畫風景》，2016年，瓷、釉裏紅、氧化鐵，118 x 33cm
季豐軒，©2024KWAI FUNG HIN

關於白明

　　白明生於1965年，是屢獲殊榮的跨領域藝術家，其創作媒介涵蓋陶瓷、水墨和漆畫。作品為大英博物館、法國賽努奇博物館、薩拉貢博物館和中國美術館等重要博物館所收藏。現任清華大學美術學院陶瓷藝術系主任、教授和博士生導師，以及清華大學美術學院美術館執行副館長，引領中國當代藝術發展。

展期：2024年4月24日至6月30日
地點：羅馬國立現代及當代美術館
地址：Viale delle Belle Arti，131 羅馬，意大利