David Hockney東京大型回顧展：150件作品橫跨藝術家大半生，沉醉於色彩與多視角帶來的世界

17/07/2023

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Helena Hau
Helena Hau
若能以直白的言語，偶爾夾雜著現代式的文縐縐，再添點靈光一閃，寫一個大家都聽得懂的故事，便好。
Assistant Managing Content Editor

Text: Helena Hau

　　法國畫家保羅·德拉羅什Paul Delaroche在1839年看見第一張攝影照片後，感概「繪畫已死」；然而，30多年後，印象派的出現打破了傳統的美學觀念，更重新定義何為繪畫；在接下來的大時代漩渦中，「繪畫已死」的說法，也反反复复被提起，但也陸陸續續被推翻。

　　影像有著長遠的歷史，甚至比文字還要早出現。它將時間定格，記錄下歷史、留下了曾經存在的生活軌跡，而繪畫則是其中一種呈現影像的方式。作為當代身價最高的在世藝術家之一，大衛·霍克尼David Hockney 以繪畫書寫了逾半世紀的故事。當然，David Hockney也不止繪畫，他的攝影作品也是他創作觀念與過程的一塊重要的拼圖，很好的詮釋了他對觀看的理解。

《自畫像，2021年12月10日》

（David Hockney, Self Portrait, 10th December 2021）

　　看David Hockney的作品，色彩想必是最先映入眼簾的元素，大片高飽和度的色調佔據畫面，「繽紛」一詞逐漸成為辨識他的繪畫元素之一。視線隨著畫面而動，色彩散發著絲絲愉悅感，仿如進行了一場視覺的旅程。

《一年在諾曼底2020-2021》（局部）

A Year in Normandie (detail), 2020-21

Composite iPad painting, 100 x 9000 cm, Collection of the artist

　　David Hockney曾談及繪畫的核心，就是如何用靜止的圖像去表達一個隨著時間推移而變化的空間。因此，空間與構圖在他的畫裏，也是一個視覺享受與觀看的方式。「視角」是David Hockney多年來一直反覆研究的命題。他打破西方傳統的單點透視法，取中國傳統水墨的散點透視為靈感，最後以「逆向透視」（reverse perspective）的方法，去尋求／總結「視角」的可能性。這個手法常見於他以拼貼手法展示的攝影作品中，打破了以透視規則作為攝影的本質，發展出一種流動性的、多角度的觀看體驗，與此同時，這種類似是散點透視的呈現方式與體驗亦延伸至他的繪畫，以及其它新媒體的創作當中。

《漫步在京都龍安寺的枯山水，1983 年 2 月 21日》

(Walking in the Zen Garden at the Ryoanji Temple, Kyoto, February 21st, 1983)

　　作為當今炙熱的藝術家之一，想欣賞David Hockney的作品也不是甚麼難事。這個夏季，東京都現代美術館就帶來了David Hockney的首個大型回顧展，展出藝術家從六十年代至今、跨越大半生的藝術創作；展覽分為八個展區，展出作品約莫150件，從速寫、繪畫、版畫、攝影到iPad作品等，主題從亦橫跨人物、靜物到風景。今次的展覽是David Hockney在27後，再次於日本美術館舉辦的大型回顧展，有不少標誌性且焦點的作品，包括早期的雙人肖像作品《克拉克夫婦和波西》（Mr and Mrs Clark and Percy）（1971）、經典的「逆向透視」的攝影作品《漫步在京都龍安寺的枯山水，1983 年 2 月 21日》(Walking in the Zen Garden at the Ryoanji Temple, Kyoto, February 21st, 1983)還有首次在亞洲展出的大型風景繪畫《東約克郡沃蓋特的春臨》（The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011），以及讓人翹首以待、創作於疫情期間，他在法國諾曼底創作長達90米的大型繪畫作品《一年在諾曼底2020-2021》(A Year in Normandie 2020-2021)等不同作品，展覽幾乎涵蓋David Hockney創作之路的走向與風格的轉變，不僅可以感受到藝術家對於色彩與視角帶來的愉悅與衝擊，還能感受到關於創作這件事，如何用餘生去探索的旅程。